Zurück ins Schwarz Regisseurin Sam Taylor-Johnson an ihre Kritiker: ‘Ich weiß, was ich tue’

(SeaPRwire) –   Die britische Regisseurin Sam Taylor-Johnson hat sich bereits an einige ambitionierte Charaktere in ihren Filmen gewagt. Einige von ihnen (John Lennon in “Nowhere Boy”) waren real, einige von ihnen (Christian Grey, der gequälte Anhänger der Fesselspiele in “Shades of Grey”) waren fiktiv, und mindestens einer von ihnen (James Frey, der Autor der nicht ganz wahrheitsgetreuen Suchtmemoiren “A Million Little Pieces”) befand sich irgendwo dazwischen.

Aber ihr neuestes Sujet könnte ihre bisher anspruchsvollste Aufgabe sein. Es ist die Sängerin Amy Winehouse, die 2011 im Alter von nur 27 Jahren starb, nachdem sie eines der ikonischsten Alben der Epoche aufgenommen hatte, “Back to Black”.

Wie Winehouse wurde auch Taylor-Johnson, die heute 57 Jahre alt ist, bereits jung berühmt, als preisgekrönte Fotokünstlerin, deren sehr persönliche Arbeiten große Anerkennung fanden. Ihre bekanntesten Bilder zeigen offenbar Menschen in der Luft und Fotografien von . Auch im Privatleben Taylor-Johnsons gab es, vor allem seit ihrer Heirat mit Aaron Taylor-Johnson, 33, der in “Nowhere Boy” Winehouses Lennon als rebellischen Teenager spielte und der kürzlich für die Rolle des nächsten James Bond im Gespräch war, häufig Spekulationen in der Boulevardpresse.

Die Regisseurin, deren neuer Film heute in den US-Kinos anläuft, hat gelernt, all das auszublenden. Wie sie sagt: “Es gibt Zeiten, in denen ich das Gefühl habe, unter dem Blick und dem Urteil der Menschen zu stehen, aber ich schalte das sehr schnell ab.” Bei einem späten Mittagessen in Manhattan spricht Taylor-Johnson, die persönlich fröhlich und offen ist, darüber, warum sie “Back to Black” gedreht hat (ihr letzter Biopic, wie sie versichert), warum sie nie Presse liest und über ihre Kampagne zur Inszenierung des nächsten James-Bond-Films.

Dieses Interview wurde für Klarheit und Lesbarkeit gekürzt und bearbeitet.

TIME: Back to Black beginnt mit der Ansage “This is Amy Winehouse”. Aber das Publikum weiß, um wen es im Film geht. Warum haben Sie so angefangen?

Taylor-Johnson: Zu Beginn brauchte ich das, um die Bedeutung dessen auszudrücken, was sie war und was sie wurde. Danach konnte ich zu ihrer Situation als Teenager übergehen, mit ihren Träumen und Bestrebungen, was sie einmal werden wollte.

Der Film ist nicht so feierlich, wie man es vielleicht erwarten würde. Viele Menschen denken, ihr Tod sei die Schuld ihres Mannes oder ihres Vaters, aber der Film scheint nahezulegen, dass Amy selbst für ihr eigenes Leben verantwortlich war und diese Verantwortung übernehmen wollte. Ging es Ihnen darum?

Es ist wichtig, dass wir ihr Leben feiern. Aber gleichzeitig ist es auch wichtig, die Komplexität zu zeigen und sie als vollwertigen Menschen mit eigener Handlungsfähigkeit darzustellen, denn ich hatte das Gefühl, dass viel von ihr im Laufe der Zeit verloren gegangen ist. Sie war nicht nur ein Opfer ihrer Tragödie. Die Musik, das Songwriting, die Ivor-Novello-Awards und die Grammys – diese Erfolge gingen verloren.

Sie haben zwei Filme über Menschen gemacht, die mit Sucht zu kämpfen hatten: “A Million Little Pieces” und “Back to Black”. Haben Sie durch diese Filme Einblicke in die Krankheit gewonnen?

Erst etwa zur Hälfte der Dreharbeiten ist mir der Zusammenhang zwischen “A Million Little Pieces” und diesem Film bewusst geworden. Ich habe keine besonderen Erkenntnisse darüber, wie man das Problem lösen kann. Aber ich wollte auf jeden Fall mehr Licht und Verständnis für die Thematik schaffen und die Zuschauer emotional mit der Problematik verbinden. Bei Amy war es eine so öffentliche Krise. Man weiß ja, es gibt die Anonymen Alkoholiker und Drogenberatungen, aber ihr wurde nie Anonymität gewährt. Heute Morgen bin ich sehr früh aufgestanden wegen des Jetlags und bin zum Fitnessstudio gegangen – auf dem Weg zurück zum Hotel kam mir ein Mann entgegen, dessen Knie wegknickten, dessen Augen zurückrollten und der mir mit ausgebreiteten Armen sehr langsam entgegen taumelte. So muss es für Amy auch gewesen sein – ihre Arme waren ausgebreitet, und alles wurde dokumentiert, während sie schwankte und fiel. Es war reiner Klatschpresse-Stoff. Und wir haben alle nur live zugesehen, wie es mit ihr bergab ging.

Denken Sie, dass Amy möglicherweise unter einer psychischen Krankheit litt?

Ich möchte keine Aussagen treffen und sie nicht diagnostizieren oder kategorisieren. Was ich gemacht habe, war sie durch ihre eigenen Worte und Geschichten zu betrachten, die sie in ihren Liedern erzählt. Darin spricht sie über ihre Probleme mit Alkohol, über ihre Liebesabhängigkeit, über Dinge wie Bulimie, mit der sie schon in jungen Jahren zu kämpfen hatte. Ich wollte alles aus ihrer Perspektive zeigen und nicht aus meiner, um die Intimität der Verbindung zwischen ihr und ihrer Musik und dem, was sie uns mitteilen wollte, wiederzugeben. Ansonsten bestand die Gefahr, dass ich das wiederhole, was ihr während ihres Lebens und nach ihrem Tod angetan wurde – ihre Zergliederung und Zurschaustellung aus voyeuristischer Sicht.

An einer Stelle sagt sie im Film, sie könne nicht nur Musik aufnehmen, sie müsse ihre Lieder “leben”. Denken Sie, dass das für alle Künstler gilt, oder ist das eher auf einige zutreffend?

Das wird wohl von Künstler zu Künstler unterschiedlich sein und besonders für einige zutreffen, die eine sehr authentische Wahrheit verkörpern. Der Produzent erzählte mir von einem Fall, als er Amy einen Wortwechsel in einem Lied vorschlug, um die Struktur der Musik anzupassen. Er sagte, sie habe nur gesagt: “Worüber redest du? Ich kann kein einziges Wort ändern, weil jedes Wort aus mir selbst kommt.” Er meinte, es sei nicht einmal ein besonders herausforderndes Wort gewesen, nur eine kleine Änderung, damit ein Wort besser auf den Takt fällt. Nicht jeder arbeitet und lebt wohl mit diesem Grad an Authentizität gegenüber sich selbst und dem Gefühl, jeden Moment voll ausleben zu müssen.

Treibt Traurigkeit Künstler an, zu kreieren, oder raubt der kreative Prozess ihnen so viel Kraft, dass sie traurig sind?

Das ist sehr schwer zu beantworten. Es könnte beides der Fall sein. Aus eigener Erfahrung mit Kreativität weiß ich, dass es für mich wie eine Notwendigkeit ist. Nicht wie “Ich frage mich, ob ich Sport machen möchte.” Wenn ich nicht kreativ bin, fühle ich mich definitiv nicht ausgeglichen. Und wenn ich dann einen Film mache, ist das so alles einnehmend, dass Kraft gibt und fordert, manchmal in ausgewogenem Maß, manchmal völlig unausgewogen. Gerade bei etwas wie diesem Projekt gab es Phasen, in denen ich mich total erschöpft fühlte. Es ist hart, wenn man sehr intensive emotionale Szenen drehen muss und versuchen muss, die enorme Anstrengung solcher wirklich schwierigen Momente richtig darzustellen.

Welche Bedeutung hat die Kanarienvogel im Film?

Das kam von Janice, Amys Mutter. Sie sagte, Amy habe einen Kanarienvogel namens Ava gehabt. Eines Tages habe Amy sie aufgelöst angerufen und gesagt: “Mum, ich glaube, mein Kanari ist tot, kannst du kommen?” Als sie dann kam, war der Vogel tatsächlich tot. “Wir mussten ihn in eine Sonnenbrillen-Etui packen und zum Friedhof fahren, um ihm ein richtiges Begräbnis zu geben, mit Gebeten und einem von Amy gesungenen Lied”, erzählte Janice. Die Art, wie sie es schilderte, kam mir so bedeutend vor. Und ich dachte, die Analogie und der Vergleich mit diesem zerbrechlichen Singvogel sind nicht zu übersehen. Und was er für Amy bedeutete. Danach sah ich eine Woche lang überall Kanarienvögel, und da wusste ich: “Okay, ich setze den Kanarienvogel in den Film!”

Gab es vor dem Film ein Amy-Winehouse-Lied, das Sie besonders berührte?

“Love Is A Losing Game”. Sie performte es bei der Mercury Prize, nachdem öffentlich bekannt war, dass sie mit Suchtproblemen zu kämpfen hatte und nun nüchtern war. Ich erinnere mich, wie faszinierend ich sie fand. Wir hatten alle miterlebt, wie es mit ihr bergab ging, sie sich von ihrem Mann getrennt hatte – und nun sang sie es uns so intim und schmerzlich, als wüssten wir nichts davon.