Es geht nicht nur um das diesjährige Motto der Met Gala. Alle Kunst befasst sich mit dem Verlauf der Zeit

(SeaPRwire) –   Am Montag wird das Metropolitan Museum of Art seine jährliche Met Gala ausrichten, eine weltbekannte Spendenveranstaltung, die Luminaries aus der ästhetischen, sportlichen, Musik-, Geschäfts- und Politikwelt zusammenbringt, um das Kostüminstitut des Museums zu unterstützen, eine Einrichtung mit einer Sammlung von fast 33.000 modischen Stücken, die sieben Jahrhunderte umfassen.

Die Veranstaltung begann 1948 als Mitternachtsmahl namens Costume Institute Benefit und hat sich im Laufe der Zeit zu einem großen kulturellen Ereignis entwickelt, das Kleidung als intellektuelles Merkmal historischer Epochen, sozialer und politischer Bewegungen sowie sich entwickelnder Perspektiven auf guten Geschmack und Schönheit verwendet.

Jedes Jahr müssen die Gäste der Met Gala sich gemäß eines Themas kleiden, das der Frühjahrsausstellung des Kostüminstituts entspricht. In diesem Jahr steht das Thema “Der Garten der Zeit” im Einklang mit der Ausstellung des Kostüminstituts mit dem Titel Beide, das Museumsausstellung und das Galathema, verschmelzen Elemente der Mode und der Natur, um die Übergänge des Lebens und die sich verändernde Natur der Mode darzustellen. Dieser Fokus auf das Saisonale und Zeitliche lädt zur Reflexion über die Bedeutung des Würdigens von Glücksmomenten, Fortschritt, Virilität und Erfolg im Leben ein.

Aber während sich die Schlagzeilen auf die Art und Weise konzentrieren werden, wie Celebrities dieses Thema durch formelle Kleidung zum Ausdruck bringen, beschäftigt sich die Kunst nicht nur mit der ästhetischen Darstellung der Zeit. Tatsächlich haben Kunstwerke schon lange als prominente Markierungen des Zeitablaufs gedient, indem sie soziale und politische Übergänge aufgezeichnet haben, die es uns ermöglichen, die darin enthaltene Geschichte zu lesen, wenn wir wissen, wonach wir suchen sollen. Jahrhunderte lang hat die Kunst Zeit gefeiert, indem sie implizit und explizit die wichtigsten kulturellen, politischen und sozialen Veränderungen in der Geschichte einer Nation angesprochen hat.

Amerikanische politische Porträts waren ideologische Derivate der Porträts, die Europäer für ihre Herrscher in Auftrag gaben. Monarchen nutzten diese Gemälde, um ihre Legitimität und die des politischen Systems zu betonen, das sie mit Macht ausstattete. Im Jahr 1761 malte Allan Ramsay beispielsweise ein Porträt des englischen Königs Georg III. anlässlich seiner Krönung. Das Porträt sollte als visuelle Darstellung der nationalen Führung und politischen Legitimität des neuen Königs dienen.

Frühe Amerikaner übernahmen diese Praxis schnell, um ihrer neuen politischen Projekt Glaubwürdigkeit zu verleihen. Im Jahr 1776 malte Charles W. Peale ein Porträt von George Washington, um seine Ernennung zum Kommandeur der Kontinentalarmee während der Amerikanischen Revolution zu feiern. Wichtig war, dass das Bild den Amerikanern ein neues Bild nationaler Autorität und Legitimität bot – eines, das das Porträt von König Georg ersetzte. Washingtons Porträt diente daher als ästhetische Markierung eines politischen Übergangs, eines Zeitpunkts, an dem die Amerikaner die monarchische Führung durch eine repräsentative Regierung ersetzten.

Da solche Porträts politische Zwecke hatten und Frauen und People of Color im 18. und frühen 19. Jahrhundert von der Politik ausgeschlossen waren, wurden sie in Fällen, in denen Frauen, Kinder, Dienstmädchen und Sklaven in politischen Porträts einbezogen wurden, strategisch als Entitäten positioniert, die unter dem Einfluss und der Macht jemandes anderen standen.

Im Jahr 1789 malte Edward Savage beispielsweise ein Porträt der Familie Washington. Es zeigt verschiedene Mitglieder der nunmehrigen Präsidentenfamilie Washington, die sich gegenseitig um einen Tisch herum beschäftigen. Das Gemälde enthielt auch einen Sklaven, der von allen anderen Personen getrennt war. Die Bedeutung jeder Person im Porträt war mit ihrer Beziehung zu George Washington verbunden, der einzigen Figur im Gemälde mit politischen Rechten.

Diese Gründe unter anderem trugen dazu bei, dass sich der 19. Jahrhunderts-Abolitionist Frederick Douglass der neuen Kunst der fotografischen Porträts anstatt der gemalten Porträts zuwandte. Die Fotografie wurde 1839 erfunden, ein Jahr nachdem sich Douglass von der Sklaverei befreit hatte. Douglass behauptete, dass Fotografien Afroamerikanern die Möglichkeit gaben, ihre Selbstdarstellung zu kontrollieren. Durch das Beauftragen von Fotografien konnten freie Schwarze sich auf die Weise präsentieren, wie sie es wünschten. Douglass ließ sich regelmäßig in jeder Lebensphase fotografieren und wurde im 19. Jahrhundert zum am häufigsten fotografierten Amerikaner. Er trug stets dezente, aber elegante Kleidung als Mittel, um seine persönliche Würde zu demonstrieren und Stereotypen in Frage zu stellen, die behaupteten, Afroamerikaner seien ihrem weißen Gegenüber von Natur aus unterlegen.

Landschaftsgemälde übermittelten im 19. Jahrhundert auch politische Ideen. Im Jahr 1836 malte Thomas Cole eine Serie mit dem Titel Der Lauf des Imperiums. Die Gemälde deuteten auf die politischen und moralischen Anforderungen an eine gesunde Nation hin und darauf, wie die USA diese Standards nicht erfüllten. Cole zielte darauf ab, die Gemälde als Warnzeichen für seine Mitamerikaner vor den Politiken und Werten des Landes zu nutzen, während es sich weiter nach Westen auf dem nordamerikanischen Kontinent ausdehnte, den Export von Waren steigerte und weiter daran arbeitete, die Debatten über die Ausweitung der Sklaverei einzudämmen.

Cole nannte eines der Gemälde der Serie Der Pastorale Zustand, das eine idealisierte Darstellung einer Zivilisation zeigte. Für den Maler schien ein ideales Land eine landwirtschaftliche Gesellschaft zu sein, in der weder die Regierung noch die Bürgerschaft die natürliche Landschaft übermäßig verändern würden. Die Bürger würden das Land bewirtschaften oder Handel treiben, um ihre Bedürfnisse zu decken, anstatt riesige Farmen, Plantagen oder Industrieanlagen zu schaffen, die darauf ausgelegt waren, einen enormen Gewinn zu erwirtschaften.

In der Serie Der Lauf des Imperiums zeigte Cole, was er als Ursachen des politischen Verfalls ansah, und er beendete die Serie mit einem Gemälde mit dem Titel Verwüstung, das die Auswirkungen dieses Verfalls auf eine Nation zeigte. Es war eine deutliche Warnung, den Kurs zu korrigieren, bevor es zu spät war.

Sowohl Landschaftsgemälde als auch Porträts in dieser Ära spiegelten die Werte und die Politik des frühen Amerika wider, sei es als subtile Reflexionen oder in explizit politischer Arbeit wie Coles Gemälden. Mit dem Fortschreiten der Jahrhunderte spiegelte die amerikanische Kunst weiterhin die sozialen und politischen Dynamiken der Zeit wider.

Während die USA im zweiten Teil des 20. Jahrhunderts und in den ersten Jahrzehnten des 21. Jahrhunderts rassistische und ungerechte Praktiken angingen, spiegelte sich dies auch in der Kunst wider. So stellte im Jahr 2018 die National Portrait Gallery in Washington, D.C. ein Porträt des ersten schwarzen Präsidenten aus. Das Gemälde wurde von Künstler Kehinde Wiley angefertigt und war ein Symbol des politischen und ästhetischen Fortschritts. Wiley stellte den ersten schwarzen Präsidenten draußen dar, was traditionell die Verbundenheit eines Führers mit denen, denen er regierte, symbolisierte und ein Zeugnis für seine Eignung für die Führung war. Es war ein deutlicher Kontrast zu frühen amerikanischen Porträts, in denen schwarze Figuren üblicherweise als dienend oder im Hintergrund dargestellt wurden – ein Zeichen dafür, wie weit die USA in über zwei Jahrhunderten gekommen waren.

Nicht nur ist die Porträtmalerei inklusiver in Bezug auf die Rasse geworden, sie ist auch demokratischer geworden. Porträts nationaler Führer befinden sich nicht nur in Museen oder Regierungsgebäuden. Manchmal finden sie sich auch in Schaufenstern geschäftiger Straßen großer Städte.

So ehrte Neiman Marcus kürzlich die verstorbene Kongressabgeordnete Eddie Bernice Johnson, die Dallas 30 Jahre lang bis zu ihrem Ausscheiden im Jahr 2023 im Kongress vertrat. Nach Johnsons Tod am 31. Dezember schuf der Flagship-Store von Neiman’s in der Innenstadt von Dallas eine dreidimensionale Porträtdarstellung von Johnson, um ihren Wählern die Möglichkeit zu geben, sie auf eine persönliche, intensive Weise zu gedenken. Darüber hinaus hielt das Personal frische weiße Rosen in der Nähe der Schaufensterpuppe als Symbol für Johnsons prinzipientreuen Charakter und zeitlose Werte bereit.

Die Schaufensterdarstellung von Johnson ist ein weiteres Beispiel dafür, wie Bilder oft entscheidende Momente der amerikanischen Geschichte einfingen. Es dient auch dem notwendigen Bestreben von Neiman Marcus, die Met Gala zu demokratisieren, die traditionell eine Schau für Wohlhabende und Mächtige war. Der Einzelhändler füllt die Schaufenster seines Geschäfts in der Innenstadt von Dallas mit blumengeschmückten Auslagen, um die Met Gala für alle zugänglich zu machen.